Колин Гринли
Американский художник
Колин Гринли
Рожденный
Бернард Колин Гринли

21 января 1928 г.
Лондон , Англия
Умер2014, 86 лет
Кэмпбелл Холл, Нью-Йорк
НациональностьАмериканско-британский
ОбразованиеШкола искусств Колумбийского университета
Альма-матерГарвардский колледж
ИзвестныйРисунок, Живопись, Скульптура
Известная работаОсновной переходный символ; Нематериальная скульптура; Дом Вишбоун
Веб-сайтhttps://colingreenly.com/
Колин Гринли - 1968

Колин Гринли (1928–2014) был художником-визуалистом, работавшим в США в конце 20-го и начале 21-го века. [1]

Биография

(Бернард) Колин Гринли родился в Лондоне, Англия, 21 января 1928 года. [2] Он получил степень бакалавра в 1948 году в Гарвардском колледже. Он учился в Школе живописи и скульптуры Колумбийского университета с 1951 по 1953 год. Он также учился в Высшей школе изящных искусств Американского университета в 1956 году. [3] [2] Гринли жил и работал в основном в районах вокруг Нью-Йорка и Вашингтона, округ Колумбия. Гринли умер 14 октября 2014 года. [4]

Раннее образование и обучение

В 1947 году, будучи студентом Гарвардского университета, первой выставкой Гринли стал рисунок тушью в Художественном музее Фогга . После окончания университета и трехлетней работы в сфере рекламы он оставил работу, чтобы поступить в Школу живописи и скульптуры Колумбийского университета с 1951 по 1953 год, изучая живопись и скульптуру у профессоров Пеппино Мангравите , Оронцио Мальдарелли и других. [2] С 1951 по 1953 год, находясь в Нью-Йорке, Гринли работал над созданием художественных программ для сотрудников Standard Oil, Metropolitan Life Insurance Co., Union Carbide Corp., New York Life Insurance. [5] В 1953 году Гринли переехал в район Вашингтона, округ Колумбия, чтобы занять должность преподавателя на неполный рабочий день в Потомакской школе в Маклине, штат Вирджиния. С 1954 по 1956 год Гринли преподавал в аспирантуре Министерства сельского хозяйства США . [5] В 1955 году он был назначен художественным руководителем в школе Мадейры в Вирджинии, [6] где он проработал до 1968 года. [5] В 1956 году Гринли учился в Американском университете у Роберта Гейтса . [5] С 1972 по 1973 год Гринли был профессором искусств в Университете Колгейта, а с 1974 по 1975 год он преподавал искусство в Университете штата Нью-Йорк в Нью-Йорке. [7]

Карьера

Раннее распознавание

Его первой крупной выставкой стала выставка «Молодые американские граверы» в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1953 году. [6] Он также принял участие в трех выставках гравюр на дереве в галерее Бадера в Вашингтоне, округ Колумбия, и выиграл приз за покупку в 1956 году от галереи искусств Коркоран . [6] [5] Весной 1956 года работы Гринли были отобраны для ежегодной групповой выставки в Центре искусств Делавэра. [8]

В 1958 году его пригласили стать членом-учредителем галереи Jefferson Place в Вашингтоне, округ Колумбия, вместе с Кеном Ноландом и другими, где у него были персональные выставки в 1958, 1960, 1963 и 1965 годах. [5]

Рисунки, рельефы и скульптуры

Около 1960 года Гринли начал чувствовать, что живопись слишком статична. Создавая небольшие модели для скульптурного заказа из белого глиняного картона, он начал открывать тонкие изменения цвета, которые происходят, когда отраженный свет попадает между двумя разделенными плоскостями. Это открытие станет основой для его более поздних работ, включающих универсальность и реальные физические изменения. Этот путь исследования вдохновил его первую серию белых, отчеканенных вручную рельефных рисунков.

В каталоге выставки Коркоранской галереи искусств Джеймс Харитас , тогдашний помощник директора (и организатор выставки Гринли 1968 года), объясняет: «Белые рельефные рисунки являются отражением чувствительности Гринли к существенному качеству материалов. Никакой двухмерный формат не мог бы более четко соответствовать его скульптуре, поскольку, по сути, именно тонкие изменения света, воздействующие на приподнятые края, активируют эти рисунки». [3]

К 1963 году Гринли все больше беспокоили разнонаправленные силы многоугольных форм в его рельефных скульптурах. По мере того, как он совершенствовал формы, он интуитивно изобрел переходную форму, полученную путем расширения периферии квадрата в сторону круглой формы. Эта форма соответствовала и усиливала аспект времени/изменения света в более ранних конструкциях и была включена в новую серию скульптур, показанную в галерее Берты Шефер в 1964, 1966 и 1968 годах. В мае 1966 года Колта Феллер рецензировала выставку Гринли в галерее Шефер в журнале Arts Magazine следующим образом: «Работы Гринли раскрывают бесконечные вариации в узорах формы, тени и света [...] Как и его скульптуры, геометрические рельефные рисунки художника на белой бумаге также полагаются на реакцию зрителя на тонкие визуальные явления для своей эффективности». [9]

Название: GS 1974

Первичный переходный символ Гринли оказался чрезвычайно редким визуальным и математическим открытием. Джеймс Харитас ссылается на параллельное (и совершенно независимое) научное развитие, произошедшее в тот же период датским математиком Питом Хейном в 1965 году . [3] [10] В 1970-х годах Гринли пересмотрел форму и создал серию картин. В 1971 году он получил заказ на написание крупномасштабного переходного символа прямо на стене Музея искусств Эверсона .

К 1964 году Гринли начал искать способ увеличить масштаб своих акриловых скульптур и устранить опорные основания, «чтобы избежать визуального вмешательства от необходимого постамента», и обратился к созданию прямоугольных прогрессий в несколько большем масштабе. [11] Ограничения толщины акрилового листового материала в 1967 году привели его к использованию окрашенного полистирола как более легкого, масштабируемого решения. [11] Томас Ливитт, тогдашний директор Музея искусств Эндрю Диксона Уайта Корнеллского университета, описывает Гринли в 1972 году как «исследовавшего взаимосвязи пространства, времени и энергии в двух, трех и четырех измерениях». [12]

Чтобы помочь финансированию Купера -Хьюитта в 1974 году, Нельсон Рокфеллер выставил на аукцион PM , черную люцитовую скульптуру Гринли. [13] [14]

Избранные произведения

Дом Вишбоун

Wishbone House — это «высота шесть футов, сборный бетонный каркас в форме буквы А, который поощрял как активное лазание, так и тихую игру на затененной скамейке внутри». [15] Проект Гринли для Wishbone House выиграл Национальный конкурс скульптур для детской площадки Школы искусств Галереи Коркоран в 1967 году с последующей установкой на детской площадке в Вашингтоне, округ Колумбия. На конкурс было подано 371 заявок, [16] включая художников Марка ди Суверо и Исаму Ногучи , среди прочих, и частично финансировался Национальным фондом искусств . [17] Эта работа была представлена ​​в книге «Century of the Child: Growing by Design, 1900-2000», [15] опубликованной Музеем современного искусства, которая сопровождала выставку с тем же названием. Обсуждая Wishbone House, авторы заявляют: «[Гринли] возражал против размещения оригинального состава в богатом районе Вашингтона, округ Колумбия, и Леди Берд Джонсон организовала повторную установку в неблагополучном районе. За ним последовали и другие, и несколько Wishbone Houses существуют до сих пор, в том числе в Потомакской школе в Маклине, штат Вирджиния». [15]

Этот дизайн был представлен в заглавной статье журнала Art in America , 55, № 6 (ноябрь–декабрь 1967 г.), в которой Гринли утверждает: «Я рассматривал проблему в следующем порядке: игровая площадка; скульптура; залезть, залезть, посидеть; необходима тень; минимальное обслуживание, максимальная форма, минимальная стоимость; воспроизводимость». [18]

Стеклянная скульптура

Название: JVD 1967


В 1967 году Гринли открыл отражающие свойства прозрачного стекла с алюминиевой окантовкой. Эти работы описаны как «угловые конструкции из листового стекла с металлической рамой, в которых отраженные изображения играют заметную роль» в «Энциклопедии мирового искусства». [19] Выставленные в галерее Анри в 1969 году, Гринли использовал экструдированный алюминий, соединенный винтами. [20] [10] Гринли писал: «Стекло стало не только исследованием объема и пространства, но и исследованием вопроса наблюдаемой реальности против известной реальности. Пространственные расширения деталей переносятся как в деталь, так и за пределы физических границ детали через эхо алюминиевых кромок». [1]



Нематериальная скульптура

Название: TC 1974

Гринли использовал фотографии, чтобы накладывать абстрактные «энергетические знаки» или «полосы», создавая напряжение на изображениях ландшафтов. [11] Сосредоточившись на обмене энергией в природе, Гринли начал делать рисунки огромных геометрических фигур, возвышающихся над природным ландшафтом или подвешенных над ним. Они привели к фотографическим работам под названием «Неосязаемая скульптура», лишенным осязаемых материалов, но расположенным в реальных ландшафтах и ​​действующим на них. Его «Неосязаемые» впервые были выставлены на персональной выставке в 1971 году в Художественном музее Эверсона. Последующие персональные выставки включали выставку 1972 года в Музее Эндрю Диксона Уайта в Корнеллском университете (и путешествовавшую под эгидой Ассоциации галерей Нью-Йорка) и в Музее колледжа Финча в Нью-Йорке в 1974 году. [11]

Доре Эштон написала о нематериальной скульптуре в Coloquio Artes после посещения музея колледжа Финч в 1974 году. Она описывает их как «огромные фотографии пейзажей, измененные в печати и читающиеся скорее как картины, чем как скульптуры. Тем не менее, волшебство Гринли превратило его объекты в изображения, которые нелегко классифицировать». [21] Эштон цитирует Гринли в Coloquio Artes, утверждая, что «[в]се существование является проявлением энергии, которая является основой искусства. В этой работе все представленные и подразумеваемые доказательства (без ограничения по времени) являются скульптурой. Нематериальная скульптура не вставляет объект в место, будь то ландшафт или другой физический источник, и не представлена ​​физическим действием, предпринимаемым на месте. Вместо этого место становится частью общей скульптуры и проявления энергии скульптуры». [21]

Амбар Халс

В 1978 году Гринли вместе со своей второй женой Лори Гринли (р. 1976) приобрели обветшалый, но все еще структурно неповрежденный молочный амбар семьи Халс 1878 года в Кэмпбелл-Холле, штат Нью-Йорк [7], намереваясь переоборудовать его интерьер площадью 6000 квадратных футов в жилое пространство и студии, используя свой опыт и общее видение как художников. [22] Оба были непосредственно вовлечены в снос, реконструкцию и реконструкцию самого амбара и трех опорных конструкций в течение десяти лет, а также в строительство дополнительных студийных помещений, окружающих садов и работ, документирующих их прогресс. [1] [22]

Хотя масштабы предприятия были внушительными, Гринли заявил: «Нам понравилась предприимчивость фермеров Халса, место и то, как солнечный свет струился через старые 10-дюймовые квадратные столбы и балки, высеченные вручную, все собранные в план европейской базилики». [22] «Амбар — это вопрос духа», — заявил Гринли. Вдохновленный идеей жизни в экологическом произведении искусства, он помог направлять результаты их совместных усилий на всю оставшуюся жизнь. Гринли сказал: «По сути, амбар делает людей счастливыми». [23]

Выставки

Персональные выставки

Источник: [1] [2] [5] [11]

  • 1965, 1963, 1960, 1958 Галерея Джефферсон Плейс, Вашингтон, округ Колумбия [6]
  • 1968,1966,1964, Галерея Берты Шефер, Нью-Йорк
  • 1968, Галерея искусств Коркоран, Вашингтон, округ Колумбия [24]
  • 1968,1970, Галерея Royal Marks, Нью-Йорк
  • 1971, Музей искусств Эверсона, Сиракьюс, Нью-Йорк
  • 1972, Музей Эндрю Диксона Уайта, Корнелльский университет, Нью-Йорк, «Нематериальная скульптура» [11]
  • 1973, Галерея Пикера, Университет Колгейта, Нью-Йорк
  • 1974, Музей колледжа Финч, Нью-Йорк
  • 1975, Галерея Фосдика Нельсона, SUNY, Альфред, Нью-Йорк.
  • 1975, Творческая мастерская искусств, Нью-Хейвен, Коннектикут
  • 2014, Колин Гринли, 60 лет видений, Галерея Минди Росс, SUNY, Ньюбург, Нью-Йорк

Групповые выставки

Источник: [1] [5] [11]

  • 1953, Музей современного искусства, Нью-Йорк, «Молодые американские граверы» [25]
  • 1965, Галерея Элеоноры Ригельхаупт, Бостон, Массачусетс, «Черное и белое»
  • 1965, Институт современного искусства, Вашингтон, округ Колумбия, «Искусство в Вашингтоне»
  • 1965, Музей ДеКордова, Линкольн, Массачусетс, «Белое на белом»
  • 1965, Галерея Дэниелс, Нью-Йорк, «Пластики» [11]
  • 1966, Музей округа Уэстморленд, Пенсильвания, «Современные тенденции в американском искусстве»
  • 1967, Центр искусств Де-Мойна, Де-Мойн, Айова, «Избранные художники».
  • 1968, Вашингтонская галерея современного искусства, Вашингтон, округ Колумбия, «Искусство в Вашингтоне»
  • 1968, Смитсоновский музей американского искусства, Вашингтон, округ Колумбия
  • 1968, Институт искусств Флинта, Мичиган, «Сделано из пластика»
  • 1968, Мемориальный музей Витте, Сан-Антонио, Техас, «Художники, удостоенные наград, Юго-Восток и Юго-Запад»
  • 1969, Художественный музей Гранд-Рапидс, Гранд-Рапидс, Мичиган, «Американская скульптура шестидесятых»
  • 1970, Музей искусств Балтимора, Мэриленд, «Вашингтон, двадцать лет»
  • 1971, Художественный музей Джексонвилла, Флорида, «Прозрачное и полупрозрачное искусство»
  • 1972, Музей штата Нью-Йорк, «Enviro-Vision»
  • 1972, Галерея Эммериха, Нью-Йорк
  • 1973, Музей современного искусства, Нью-Йорк
  • 1973, Центр декоративного искусства, Нью-Йорк, «Живопись в Америке: вчера и завтра»
  • 1973, Нью-Йоркский культурный центр, Нью-Йорк, «Мегаполис»
  • 1974, Музей искусств Краннерта, Шампейн, Иллинойс, «Современная американская живопись и скульптура»
  • 1975, Галерея Джона Вебера, Нью-Йорк
  • 1976, 112 Грин Стрит, Нью-Йорк
  • 1978, Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк
  • 1981, Государственный музей Нью-Йорка, Олбани, Нью-Йорк.
  • 2012, Музей современного искусства, Нью-Йорк «Век ребенка: взросление по замыслу, 1900-2000», Wishbone House
  • 2013, Галерея Ventana 244, Нью-Йорк
  • 2017, Музей Американского университета, Вашингтон, округ Колумбия «Создание сцены: Галерея Джефферсон-Плейс» [26]

Награды, премии и комиссии

Награды и премии

Источник: [1] [2] [11]

  • 1967, победа в Национальном конкурсе скульптур для детских площадок за проект «Дом Вишбоун», спонсируемый Школой искусств Коркоран и журналом «Искусство в Америке».
  • 1967, Национальный фонд искусств и гуманитарных наук
  • 1972, приглашенный художник, Центральный Мичиганский университет
  • 1972, художник-резидент, колледж Казеновия, фестиваль «Взаимодействие в искусстве», Казеновия, Нью-Йорк
  • 1972, Грант на нематериальную скульптуру, Программа общественной службы творческих художников, Нью-Йорк
  • 1974, Грант Комитета по изобразительному искусству
  • 1974, художник-резидент, Музей колледжа Финч, Нью-Йорк, при поддержке Национального фонда искусств и гуманитарных наук
  • 1977/1978, стипендиат в области фотографии, Программа общественной службы в области творческих искусств [27]
  • 1993 г. — Грант на децентрализацию штата Нью-Йорк, администрируемый Советом по делам искусств округа Ориндж.
  • 2014 г., Законодательная резолюция штата Нью-Йорк, посвященная 60-летию карьеры Колина Гринли

Комиссии

Источник: [1] [11]

  • 1958, скульптурный рельеф, школа Лэнгли, Маклин, Вирджиния [11]
  • 1961, скульптурный рельеф, «Эксперимент в интернациональной жизни», Патни, Вермонт
  • 1967, «Дом Вишбоун», скульптура на детской площадке, Вашингтон (округ Колумбия), Потомакская школа, штат Вирджиния, Торонто, Канада, Сиракузы, штат Нью-Йорк, и другие места.
  • 1970 год, мероприятие «Colorline» для Школы искусств Коркоран в городском парке площадью один акр в Вашингтоне, округ Колумбия.
  • 1971, мероприятие «Colorline» в сотрудничестве с архитектурной школой Сиракузского университета, Community Plaza [11]
  • 1971, Настенная роспись, Первичный переходный символ, Музей Эверсона, Сиракьюс, Нью-Йорк
  • 1972, Восемь цветных панелей, Здание администрации округа, округ Онондага, штат Нью-Йорк, выполнено под руководством художника, Программа обучения государственной службе, Музей Эверсона, Сиракьюс, штат Нью-Йорк [11]
  • 1973, Двенадцать цветных панелей, Здание офиса штата Нью-Йорк, Ютика, Нью-Йорк, выполнено под руководством художника студентами Университета Колгейт, Гамильтон, Нью-Йорк
  • 1975, Совместные росписи: Центр для пожилых людей Мелроуз Мотт-Хейвен, Бронкс, Нью-Йорк и Центр для пожилых людей Рокавей-Парк, Рокавей-Парк, Нью-Йорк, финансируемые CAPS и Фондом города Нью-Йорка
  • 2009, 1964, «Cloudlines» Алюминиевая скульптура, Центр искусств Джеффри Дж. Шермана, Школа Лэнгли, Маклин, Вирджиния

Ссылки

  1. ^ abcdefg "Колин Гринли, художник". colingreenly.com . Получено 2023-11-01 .
  2. ^ abcde Optiz, Glenn (1984). Словарь американских скульпторов: с XVIII века до наших дней . Покипси, Нью-Йорк: Apollo Book. стр. 157.
  3. ^ abc Greenly, Colin (1968). Колин Гринли: 27 января — 25 февраля 1968 г. Вашингтон, округ Колумбия: Галерея искусств Коркоран.
  4. ^ "Колин Гринли | Смитсоновский музей американского искусства". americanart.si.edu . Получено 01.11.2023 .
  5. ^ abcdefgh Каммингс, Пол, ред. (1994). Словарь современных американских художников . Нью-Йорк: St. Martins Press. стр. 293.
  6. ^ abcd "Colin Greenly - Jefferson Place Gallery". jeffersonplacegallery.com . 15 августа 2017 . Получено 21 октября 2023 .
  7. ^ ab Browne, Turner (1983). Биографическая энциклопедия фотографов и новаторов Macmillan . Нью-Йорк: Macmillan. С. 191. ISBN 0025175009.
  8. ^ "69 записей на выставке искусств". Журнал - Every Evening, Уилмингтон, Делавэр . 4 апреля 1956 г. стр. 15.
  9. ^ Феллер, Колта (май 1966). «Обзоры: Галереи». Arts Magazine . 40 (7): 66.
  10. ^ ab Пол Р. «Две художественные авантюры и одна окупается». The Washington Post, Times Herald (1959-1973) 4 февраля 1968 г.: 1. ProQuest. 29 декабря 2023 г.
  11. ^ abcdefghijklm Гринли, Коллин (1972). Нематериальная скульптура . Итака, Нью-Йорк: Офис университетских публикаций, Корнелльский университет.
  12. ^ "Скульптура на виду". Ithaca Journal . 20 октября 1972 г. стр. 6.
  13. ^ "Suzy Says: Cultural Golden Oldies". Daily News . 12 марта 1974 г. стр. C8.
  14. ^ SANKA K. «Аукцион пожертвованных произведений искусства для финансирования реконструкции особняка Карнеги». New York Times (1923-) 06 марта 1974: 27. ProQuest. 29 декабря 2023 г.
  15. ^ abc Кинчин, Джульетта; О'Коннор, Эйдан; Харрод, Таня; Хох, Медея (2012). Век ребенка: рост по замыслу, 1900-2000. Нью-Йорк: Музей современного искусства. ISBN 978-0-87070-826-8. OCLC  815717428.
  16. ^ Джонс, Стейси В. (3 апреля 1971 г.). «Игровая площадка Shelter is Devised». The New York Times . С.  39–41 .
  17. ^ Рагейн, Мелисса (осень 2017 г.). «Кинетика освобождения в игровой скульптуре Марка ди Суверо». Американское искусство . 31 (3): 26– 51. doi :10.1086/696114.
  18. ↑ Джейкобс, Джей (ноябрь–декабрь 1967 г.). «Проекты для игровых площадок». Искусство в Америке . 55 (6): 41.
  19. ^ Джейкобс, Джей (1975). Энциклопедия мирового искусства. Архив Интернета. Лондон: Octopus Books. ISBN 978-0-7064-0495-1.
  20. ^ Пол Р. «Стекло и алюминий Колина Гринли...: ... и красивые форменные полотна Эрика Радда». The Washington Post, Times Herald (1959-1973) 30 ноября 1969 г.: 106. ProQuest. 29 декабря 2023 г.
  21. ^ аб Эштон, Дор (октябрь 1974 г.). "Нью-Йорк". Колоквио Артес . 19 (2): 7.
  22. ^ abc Jensen, Kristen (июнь 2008). «Cow Bard to Living Room: Preserving the Spirit». Orange Magazine (4): 47–48 .
  23. ↑ Макгилл-Садера, Дженнифер (апрель 1991 г.). «Жизнь по замыслу». Orange Magazine : 20–26 .
  24. ↑ Национальная галерея искусств, Вашингтон (14 февраля 2018 г.). «Галерея искусств Коркоран: список выставок 1897–2014 гг.» (PDF) . Получено 26 октября 2023 г.
  25. ^ "Молодые американские гравёры". Выставка MoMA Spelunker . Получено 1 декабря 2023 г.
  26. ^ "Создание сцены: Джефферсон-Плейс" . Получено 1 декабря 2023 г.
  27. ^ "CAPS Fellowships attached". Afterimage . 5 (7): 3. Январь 1978. doi :10.1525/aft.1978.5.7.3.

 В данной статье использован текст Лори Гринли, доступный по лицензии CC BY-SA 4.0.

Взято с "https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Colin_Greenly&oldid=1242131001"